Paul Stanley do KISS sobre otimismo, pinturas da 'série negra' e aparições na Wentworth Gallery

Desde 1973, vocalista e guitarrista do KISS Paul Stanley conquistou um nicho como um dos vocalistas mais envolventes do rock.

Com uma mão na arte do álbum de sua banda, figurinos, composição, encenação e muito mais, a criatividade do Hall da Fama do Rock and Roll ajudou a definir uma das marcas mais fortes e bem-sucedidas da história do rock and roll.

Fora da música, Stanley aplica sua paixão e criatividade tanto na culinária e arte. Embora relativamente novo no mundo da arte, tendo começado a pintar duas décadas atrás, ele foi apelidado de “fenômeno da arte”, por Galeria Wentworth Diretor Christian O'Mahony por sua capacidade de vender tudo exibições de galeria de seu trabalho.

Com nove galerias de varejo, Wentworth é um dos maiores vendedores de obras de arte do país, ostentando uma série de parcerias exclusivas com artistas e músicos.

Após dois eventos na Flórida no início deste mês, Stanley estará presente neste fim de semana em Exposições de Wentworth em Bethesda, Maryland (sexta-feira, 24 de fevereiro no Montgomery Mall) e McLean, Virginia (sábado, 25 de fevereiro na Tysons Galleria), exibindo seu trabalho na “Black Series”, pinturas exclusivamente vibrantes apresentadas em tela preta em vez das mais tradicionais branco.

“Na maioria das vezes, tendemos a pintar em tela branca – por causa da ideia de que a luz vem por trás da cor. Mas encontrei uma tela preta e fiquei intrigado com a ideia do que poderia fazer com isso”, explicou Stanley sobre as origens de sua “Série Negra”. “Achei que as cores eram muito poderosas. Eles pareciam surgir do nada – porque não tinham luz atrás deles. Então, eles tendem a se destacar mais no primeiro plano porque recuam para o fundo. Então foi uma descoberta divertida para mim”, disse ele.

“Realmente, a arte tem sido para mim desde o início é apenas descoberta. Eu diria que não tenho realmente um estilo diferente do que conecta todas as minhas peças – que é a cor vibrante. Porque, para mim, a cor é a representação, pelo menos no meu caso, da vida”, disse Stanley. “Já vi alguns artistas que, ao se deteriorarem psicologicamente ou mentalmente, sua arte passou de vibrante a, basicamente, quase preto e branco – muito mais sombria. Eu vejo minha vida, em seu pior dia, como um milagre. Eu acho a vida incrível. E eu o represento com cores.”

Conversei com Stanley sobre otimismo, a “Série Negra”, o Aparições na Wentworth Gallery, uma exposição do seu trabalho prevista para este verão no prestigiado Butler Institute of American Art e a ideia de desenvolver uma marca autêntica. Uma transcrição de nossa videochamada, levemente editada para maior duração e clareza, segue abaixo.

Quando você começou a pintar como outra saída criativa? Foi em uma idade mais jovem ou como um adulto?

PAULO STANLEY: Cerca de 20 anos atrás. Então era mais jovem do que hoje! Mas não era jovem. (risos)

Chegou em um momento difícil. Um amigo meu, meu melhor amigo, disse: “Você deveria pintar”. Isso me pegou desprevenido. Mas também ressoou. E eu saí e comprei tintas – comprei cavaletes, telas e pincéis. Mais ou menos fluxo de consciência com cor. E também realmente purgar – purgar emocionalmente – sem pensar muito na estrutura ou no que eu estava fazendo. Foi simplesmente catártico – e mais produtivo do que gritar no chuveiro. Então foi realmente muito gratificante. E isso me iniciou nessa jornada.

E para ver agora… Certo, é claro, há pessoas que amam o KISS e estão familiarizados com o KISS que podem adquirir um pouco da arte. Mas há muitas pessoas que se importam menos com o KISS que adquirem a arte. E é bom transcender o esperado.

Cores ousadas parecem definir seu trabalho de certa forma. E você me parece uma pessoa bastante positiva. O otimismo é algo que você espera que sua obra de arte capture?

Stanley: Sim. Sabe, eu realmente sinto que quando vemos a vida e vemos a nós mesmos e vemos o mundo de forma positiva, tornamos o mundo um lugar melhor. Porque quando aceitamos mais as outras pessoas e outras situações, o mundo se torna um lugar mais agradável conforme o vemos e nos tornamos pessoas mais agradáveis.

Esta última peça que fiz, chamada “Quality Time Remaining”, é realmente sobre a morte. Veio de mim apenas vendo constantemente, pelo menos recentemente, tantos ícones morrendo aos olhos do público. Isso apenas reforçou para mim a ideia de tempo de qualidade restante. Temos um tempo finito aqui. Certifique-se de que você está vivendo ao máximo. Também diz na pintura: “viva sem desculpas, morra sem arrependimentos”. Todos nós vamos morrer – é o que fazemos enquanto estamos aqui.

Então, não para filosofar ou ir Yoda em você… Mas é possível ter uma mensagem positiva em qualquer coisa que escolhemos dizer. E o que escolho dizer na minha arte é que tudo é positivo.

Embora existam auto-retratos, também há pinturas mais abstratas em seu trabalho. Qual é a sua abordagem para as peças mais abstratas?

Stanley: É como entrar em um quarto escuro e acender uma vela. Trata-se realmente de descobrir o que há na sala – o que você pode ver, o que pode trazer. Então, muitas peças que eu faço, eu entro cegamente. Não quero ser limitado pelo estilo. Eu não quero ter um estilo. O que eu quero fazer é trabalhar para aperfeiçoar a minha expressão e não me prender a um só olhar.

Estou longe de Picasso. Mas Picasso disse: “Se eu tivesse que me descrever como pintor, diria que sou um pintor sem estilo”. Eu acho isso ótimo! Não estou interessado em saber cores complementares ou quais cores funcionam com outras cores. Inata, quero escolher minhas cores.

Estou olhando para a sua pintura “Guitar Dreams”. Certamente, estou familiarizado com seu relacionamento com a Ibanez. Mas o que você está tentando capturar quando está pintando esse instrumento? O que a guitarra significa para você depois de todos esses anos?

Stanley: Neste ponto, é tão icônico e tão conectado a mim.

Acho que, como muitas outras coisas, o tempo conta tudo – nas relações, na arte, na música – e aquela guitarra com certeza começou como uma página em branco.

Em outras palavras, [Gibson] Les Pauls, por exemplo, tem uma história muito fértil – além de Les Paul. Quando você pensa em ícones como Jeff Beck e Jimmy Page e Eric Clapton e Peter Green, você pensa em uma Les Paul [guitarra]. Quando desenhei e comecei a usar o PS10, a guitarra Ibanez, não tinha história. Isso foi algo que aconteceu nos últimos 45 anos ou mais.

Então, é icônico. E eu queria comemorar isso.

A pintura “Detroit Rock City” é obviamente um autorretrato. Como você aborda uma peça como essa?

Stanley: Não gosto muito do que chamo de peças centradas no KISS. Não quero ser o cara que pinta minha banda. É um escopo muito estreito. Dito isso… já fiz algumas peças que gostei. E o que eu queria capturar é o espírito. Eu queria capturar como me sinto. Isso é o mais importante. Se eu conseguir capturar meu sentimento, ele capturará o de outra pessoa. Acho que se você for fiel a si mesmo, encontrará pessoas que se identificam com o que você está fazendo. Porque não somos muito diferentes. Acho que minhas peças em geral se conectam com as pessoas.

Mas com alguns deles, eu realmente tenho que tranquilizar [as pessoas] que você não precisa de uma educação em arte ou música ou qualquer outra área para ter uma opinião válida. Sua opinião é válida porque é sua. A arte é verdadeiramente subjetiva. O que afeta você emocionalmente pode não ter efeito sobre outra pessoa. Então, eu apenas tento pintar o que eu sinto.

E certamente há pessoas que não foram expostas à arte ou ao teatro. E quero que essas pessoas se sintam à vontade para desfrutar de algo e se sintam seguras em seu prazer. Então, para mim, parte disso é derrubar esses limites.

eu senti o mesmo quando eu fiz O Fantasma da Ópera. Algumas pessoas ficaram intimidadas com a ideia do teatro – mas o teatro começou nas ruas. Então, para transformá-lo em um caso de luva branca, as pessoas perdem uma das maiores experiências. O teatro ao vivo é muito mais impactante do que os filmes.

Então, isso sempre fez parte da minha cruzada, por assim dizer – apenas para derrubar essas barreiras.

KISS desenvolveu uma marca quase incomparavelmente forte. Mas, para você, quer esteja trabalhando na arte do álbum, no figurino, na pintura facial, na “Black Series” ou em qualquer outra coisa que tenha seu nome, qual é a chave para desenvolver uma marca que ressoe enquanto permanece autêntica? ?

Stanley: Acho que o pensamento principal deve ser: “O que eu gostaria? O que me excitaria? O que eu adoraria ver no palco?” Foi disso que o KISS nasceu: a ideia de ser a banda que nunca vimos. Não era a ideia: “Vamos tentar descobrir o que o público quer”. Foi: “Vamos ser quem esperamos ver”. Então, isso não mudou.

Qualquer coisa em que estou envolvido realmente se torna: “Para que necessidade isso serve em mim?” Eu costumo, não importa o que estou fazendo, tentar fazer algo que me excita – seja um palco ou uma capa de álbum ou as roupas que vestimos.

Sei que seu trabalho também vai ser exposto no Instituto Butler de Arte Americana em Youngstown, Ohio neste verão também. O que as pessoas podem esperar durante essa exposição?

Stanley: Para mim, é de tirar o fôlego. Este é um ótimo museu. E o primeiro que realmente defendeu os artistas americanos. Portanto, será um grupo de algumas das minhas melhores e favoritas peças. E vai percorrer toda a gama em diferentes meios: pintura em tela, pintura em plexiglass – coisas diferentes que fiz e continuarei a fazer. Às vezes acordo no meio da noite e penso em como vou criar algo amanhã.